Mi crítica de "Taquicardia" (Teatro musical)

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"Taquicardia" (que es lo que tengo yo, entre otros males) se llama el espectáculo 2016 de la prolífica Valeria Ambrosio, aquí como autora y directora, y se lo puede ver por Teatrix desde este mes. Está protagonizado por la multifacética Flor Benítez, una estupenda cantante y actriz. Y digo multifacética porque acá demuestra tanto su talento para el canto lírico como para abordar las canciones de corte más popular tanto en italiano, francés o castellano. Aunque la obra no es hablada (sólo cantada) podemos ver en ella un gran potencial como actriz dada su expresividad, su cantidad de matices y su calidad para el abordaje de distintos materiales.

Lo que no queda muy en claro es esta definición de "Kbaret post Kpitalista". Tenemos bien por cierto que todo empieza con la destrucción masiva del planeta por sucesivas bombas atómicas y un berenjenal de cosas post caos en la escena. Pero ¿por qué "post capitalista"? ¿Fue el capitalismo entendido como sistema/gobierno/organización el que tiró las bombas? ¿Son esos objetos ahora inútiles -en otro tiempo útiles- manifestaciones del capitalismo salvaje? Tal como ese celular que suena con la obertura de "La Traviata" y acumula mensajes apocalípticos. ¿Serán los humildes platos? ¿O acaso el zapato de taco que se obstina en no salir de abajo del piano? No quiero pensar que un piano deshecho pueda tomarse como símbolo del capitalismo. Bueno, son preguntas que para mí quedan sin respuesta.

Lo que sabemos es que la Tierra explotó y sólo queda una sobreviviente -esto no se deduce sino que lo explica el resumen-, Flor, quien entre otras preocupaciones de su vida en soledad de aquí en adelante se manifiestan cantando canciones de amor como loca. Se escucha el llanto de un bebé y la vemos a ella incrustada adentro de la caja del piano, aparentemente con vida. Enseguida saldrá de allí y -con un músico en escena- se desata con una ópera barroca en clave (en clave de ópera) que puede confundirla con las óperas mozartianas y sus "recitativos" (la parte hablada de la ópera, acompañada por el clave). Mientras canta con muy buena formación lírico-clásico se las ingenia para sacar el zapato de debajo del piano y completar el par que le falta. Luego revisa su bolso y es el momento en que le suena el celular y expande la bellísima obertura de "La Traviata" verdiana con los mensajes del más allá. Hay en todos sus movimientos (hasta el momento) un velado homenaje a las corridas chaplinescas y al cine mudo todo, quiero creer que de forma voluntaria de la directora. Enseguida se larga con un "musical" en inglés, género por donde oscila el trabajo de la cantante. Luego asistimos a unas proyecciones electroacústicas sobre la escena que ella acompaña con su canto. Sin transiciones se pone a cantar una canción en italiano mientras llora abundantemente (las intenciones hay que adivinarlas ya que son poco claras). Hay que destacar el trabajo coreográfico que realizó Juan José Marco, que acentúan su sensualidad y su trabajo múltiple con los objetos en escena.

En ese momento irrumpe el músico a ordenar fragmentos dispersos de lo que antes fueran objetos, e irrumpe con su reloj, que no sólamente le marcará el paso del tiempo sino que será lo que desatará su "taquicardia" (presumimos). Enseguida Flor arremete con una bellísima versión de "No me quite pas" que se transmutará en canción en inglés mientras se dedica a acomodar objetos adentro del piano para luego cerrar su tapa, a modo de resguardo o de ataúd. Parece que queda cansada de hacer todo esto porque se queda dormida... Cuando despierta va depositando ramos de flores en todos los lugares de destrucción que se encienden cuando ella las besa, mientras canta una balada en italiano. Entonces, quien se había quedado en corpiño y bombachudo, encuentra ropa y se viste con ella, incluídos unos borcegos muy militares que también se coloca (¿la milicia no está asociada al capitalismo que queremos combatir?). Ahora le canta una canción a las "amadas" cucarachas, que según dicen serán los inmundos bichos que sobrevivirán una catástrofe nuclear. Bueno, ella les canta, muy enamorada de ellas...

Luego vuelve a quedarse dormida para despertarse enseguida, eufórica por sus movimientos y actitud, con "La Mañana" de la suite de "Peer Gynt" de Grieg. Cantará enseguida una versión de "Maledetta primavera" (en italiano) con todo el rimmel corrido de tanto hacerse amargura por nada, ¿vio?

Para el final encimará las versiones de "A perfect day", con "Lacrime d'aprile", un aria de ópera, para terminar cantando "Un beso y una flor" de Nino Bravo. Todo se resuelve de esa manera y los aplausos son muchos. Pero ¿y la progresión dramática de la obra? ¿y el "mensaje"? ¿Cuál es el sentido de amontonar canciones muy bonitas además, lógicamente, del lucimiento de la cantante? El que repase el derrotero de acciones y melodías que fui describiendo lo puede tomar como un simple rejunte o como un "homenaje" a Italia, Estados Unidos y Francia en una obra que nos quiere imponer el anti-capitalismo por enema. No se entiende. Perdoname Valeria, pueden haber sido muy encomiables tus intenciones y la cantante la verdad que es un lujo pero no se entiende...

Finalmente, el que quedó con taquicardia después de ver este ensayo, fui yo. Que Flor Benítez, además de sus talentos, es muy hermosa, con esos ojazos celestes pintados de manera hiperrealista y su delgado y esbelto cuerpo de amazona perdida en un planeta desierto, es innnegable, y ¿quién puede descartar el imán de atracción que ella nos ofrece? Pero de ahí a llamar a esto "obra" hay un trecho muy grande. Será que me agarraron en un día mal dormido y mal comido y eso me pone muy nervioso, pero ¡¡¡qué alguien me lo explique por favor...!!!

Me quedo con el rostro y la figura de Flor y su bellísima voz.

Y gracias por leerme nuevamente hasta acá.

El Conde de Teberito (un crítico independiente).

Mi crítica de "Drácula" (Teatro musical)

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Ayer pude ver por Teatrix (que no para de estrenar, nos está malacostumbrando), la sensacional "Drácula" de Pepe Cibrián Campoy-Ángel Mahler. Yo la había visto dos veces en el Luna Park en el momento de su estreno, allá por el '91 (la segunda vez, no la entendí) y puedo ver la diferencia con esta puesta en el 2011 en el Teatro Astral. La primera y más notable es la referente al espacio. Allá donde el Luna Park era amplio y generoso acá resulta mezquino y acotado. Faltan las grandes escalinatas por donde descendían los pequeños vampiritos y en donde se hacía el mar del océano y se resolvían escenas muy impactantes. También el lugar para que se deslizaran las escaleras se extraña, pero no es más que eso. La nueva concepción escénica es muy buena y está muy ingeniosamente resuelta. No recuerdo si se agregaron o se quitaron canciones, pero el esquema original se mantiene fiel a lo editado en aquel CD. memorable del '91. Todas las letras y la musicalización son notables y hacen honor a la dupla Cibrián-Mahler y la verdad es que no tiene nada que envidiarle a "El Fantasma de la Ópera" o "Los Miserables, por mencionar dos exponentes máximos del género. Es un muy buen ejemplo de que, el teatro musical, en la Argentina "aquí también podemos hacerlo". Sólo algunas partes aparecen deslucidas, que son aquellas que podrían haber sido habladas y no cantadas, que no tienen rima y la música hace grandes esfuerzos por acompañarles. 

Vamos a los cantantes. Como Drácula está el multiterreno Juan Rodó (porque aparece en todas las obras de la dupla) y la verdad es que si bien posee un gran caudal de voz y un buen volumen, es muy limitado en su espectro, ya que tiene la misma tonalidad para todo y para todos los roles que interpreta. Es por demás inexpresivo en su canto. Esperamos que con el tiempo madurara... pero no lo hizo. Y si de inexpresión se trata, acá está acompañado por la sobrina de Pepe, Candela Cibrián, en Mina Murray, que ni es muy linda (a pesar de ser rubia, tiene una cara desproporcionada y la nariz no la ayuda...), sí tiene un buen manejo de los agudos y los graves. Como cantante es buena, aunque la parte actoral no colabora mucho. (Yo la había visto con Cecilia Milone como Mina y Paola Krum en Lucy, lo cual son palabras mayores). En el rol de Lucy está la bellísima, gran cantante y gran intérprete Luna Pérez Lening y salvamos la plata. Le toca el papel más difícil (o será que ella, con sus virtudes hace que parezca el más rico) y lo salva con prestancia. Aplausos para Luna. Jonathan Harker, el novio de Mina, está cantado por Leonel Fransezze y lo hace aceptablemente bien. En Nani se destaca Adriana Rolla (Nani siempre fue un papel muy difícil y muy querido por el público) y ella sabe bordarlo de manera admirable. Por último, Van Helsing es Germán Barceló, que hace lo que puede con su juventud para un papel que necesitaba alguien de más edad. Pero se defiende.

Pasemos ahora a la parte estrictamente musical. Son muy bellas y pegadizas las melodías de Mahler y no carecen de cierta poesía las inspiradas letras de Campoy. Si bien en lo que más se destacan ambos en en los ensambles vocales ("Obertura"; "Los Gitanos"; "La Plaza de Whitby"; "La Canción de los Locos") con sus magníficas coreografías y su aceitado mecanismo de concordancias en el baile, las arias (sí, podemos llamarlas así) solistas también son muy bellas y están muy bien interpretadas ("Siento enloquecer"; "Tu esclava seré"; "Saber por fin quién soy"; "Mi dulce Mina"; "Tus sueños dónde han ido"; "Madre tan sólo esta vez") y los dúos son especialmente inspirados ("Soñar hasta enloquecer"; "Dúo Mina-Drácula"; "Tú y yo, quién nos puede separar"). La verdad es que las más de dos horas y media de música y letra es un verdadero empacho melódico. Todas las partituras centrales o medulares del relato son muy hermosas, sólidas y valiosas, algo que no volverá a repetirse muy seguido en la trayectoria de la dupla.

Pepito Cibrián no sólo es un maestro en dirección general, libro y letras, sino también como puestista de luces, es maravilloso el clima que crea con la luminotecnia. Esa luminosidad en "stacatto" durante las escenas de las mordeduras del vampiro, de la posesión de Lucy o de la apertura del ataúd son francamente inigualables. Casi todo el espectáculo está dado con una luz blanca, lo que va muy acorde con el tono de piel del vampiro. Se agradece la luz cálida en "Los Gitanos" o "La Plaza de Whitby".

La historia está narrada muy ágilmente y es bien conocida por todos. La partida de Jonathan Harker, novio de Mina, agente inmobiliario, hacia Transilvania, para venderle unas tierras en Inglaterra al Conde Drácula. Éste es un hombre-lobo (ésto no aparece en la generalidad de las historias de "Drácula") y vampiro, que compra el terreno de una vieja abadía en Whitby. Mientras Drácula viaja hacia Inglaterra Jonathan permanece sin memoria perdido en los Cárpatos. Una vez llegado, vampiriza a Lucy, amiga de Mina próxima a casarse y cree encontrar en Mina a su antiguo amor redivivo. Trata de seducirla y explicarle que es la reencarnación de su antigua esposa, pero Mina se niega a aceptarlo. La ola de vampiros acecha a Whitby y llaman a un viejo profesor y "vampirólogo", Van Helsing, quien se dispone a matar al monstruo. Drácula secuestra a Mina y trata de vampirizarla, pero su amor por ella le hace ver la verdad, de que no es ella la que alguna vez amó y la deja libre. En eso llega Jonathan y vuelve a Mina. Van Helsing y el pueblo entero mata a Drácula con una estaca de madera en el corazón.

Para ese entonces se había estrenado la versión cinematográfica de Francis Ford Coppola "Brams Stocker's Drácula", con Gary Oldman, Winona Ryder y Anthony Hopkins que produjo un sacudón en el Drácula contado hasta entonces en la pantalla, dándole una visión totalmente extraordinaria y con una narración a la vez clásica y moderna que reinventaba el Drácula hasta el momento conocido.

La puesta de Pepe Cibrián, con esas escalinatas por las que suben y bajan los personajes y que se mueven por todo el espacio escénico, uniéndose a modo de puertas, le imprimieron una vitalidad hasta entonces desconocida al teatro musical. Son muy buenos también los efectos especiales, como la aparición de Drácula en el espejo, la estaca clavada a Lucy o la conversión en vampiro del cadáver de Drácula a último momento "rompiendo el molde" nos deja entrever que estamos ante un musical rejuvenecido y renovado.

Pese a los errores aquí consignados mi puntaje para "Drácula" es un 10 y ampliamente recomendable para todo público. Y no se olviden que oprimiendo el "Ver obra" en mi blog pueden ver el musical completo.

Y gracias por leerme nuevamente hasta acá.

El Conde de Teberito (primo del Conde Drácula, un crítico independiente).

Mi crítica de "¡Qué lo parió!" (Teatro)

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Pude ver por Teatrix esta interesante puesta de un rejunte de los chistes del genial Roberto Fontanarrosa y su también genial personaje. Inodoro Pereyra me parece (junto con Mafalda) lo mejor del humor gráfico de la Argentina y de muchos otros países. Inodoro Pereyra es una historieta de descubrimiento, de puro placer humorístico, de una revelación constante, ya que cada cuadrito es un chiste en sí mismo, y de muy alta calidad. Debió estar muy inspirado el "Negro" Fontanarrosa cada vez que daba letra a su personaje. Al igual que sus cuentos, que son no sólo de gran valor humorístico y literario, sino una fuente de conocimiento y sabiduría en sí mismos.

Esta puesta de "Inodoro Pereyra" está interpretada por Rudy Chernicoff y secundado por buenas apariciones de actores como Roly Serrano (la Eulogia), Rodrigo de la Serna (Don Braulio), Daniel Rabinovich (el indio), Ingrid Pellicori (la perfumista), Claudia Lapacó (Doña Encarnación), Lito Cruz (el payador perseguido), Fabio Posca (el abuelo) y Jairo (el malabarista), donde las palmas se las llevan, por interpretación y libreto, mi adorado Rabinovich y Jairo por su cantar de "Los Hermanos".

Pero hay algo que no funciona en esta adaptación teatral de la tira del rosarino. Así como funcionaban las adaptaciones de los cuentos en "Los cuentos de Fontanarrosa" (Canal 7), con excelentes actuaciones y libretos, que despuntaban la risa o la carcajada franca en cada momento, no sucede lo mismo en el teatro. Será que la transposición de un cómic a otro lenguaje no genera lo mismo, será que a mí en particular me rechaza Rudy Chernicoff, vaya a saber cuál es la causa, pero a mí esta "¡Que lo parió!" no me despierta las mismas carcajadas que leyendo la historieta. Chernicoff no genera, para mí, ninguna gracia, no lo puedo ver reírse de los chistes que acaba de contar (en las antípodas de esto estaba el gran Verdaguer, al que no se le movía un músculo de la cara aún ante su cuento más desaforado), será que la razón y la sazón del humorista es no reírse de su propio chiste, esto genera en gran parte empatía con el actor. Será que la selección de chistes no fue del todo minuciosa (faltan chistes mayores, para mí, como eso de que "comíamos empanadas de vigilia para mantenernos despiertos" o el de que "la Eulogia demuestra la 'beyeza' por el absurdo), si bien hay una cantidad de chistes efectivos (que la Eulogia cuando se cae de la cama se cae por los dos lados a la vez; "mal pero acostumbra'o"; le conseguí trabajo a la Eulogia, de llorona en los velorios, para la compañía de sepelios "La lágrima viva"; un yaguareté es capaz de oler a un cristiano a un km, a mí me olfateaban a 4 kms.) y tantos otros igualmente graciosos, pero que en la boca de Chernicoff se dicen como al pasar y no como sentencia. No sé que es lo que fuere, pero para mí, el espectáculo falló.

Si a esto le sumamos que al final, Chernicoff nos "regala" 20 minutos de "El Señor del Baño" (ya me negué a hacerle la crítica en su momento) torturándonos con sus referencias interminables a la caca y a los pedos, cosa que me desagrada muchísimo.

La picardía es que los chistes del "negro", así como se dicen aquí, se olvidan enseguida, y si algo tenía de imperecedero el humor de Fontanarrosa es que sus ocurrencias se recordaban por mucho tiempo; creando leyendas incluso de cada uno, como el del oficio del trenzador de chinchulines o el del catador de vinos: "yo, con sólo verlo le digo: vino tinto, vino rosado, vino blanco". Lo que tiene de grande el humor de Fontanarrosa es ese doble sentido que nunca apunta a la grosería, sino más bien a los defectos en el lenguaje, o a las costumbres campesinas y citadinas, a los lugares comunes de nuestras vidas. Hay una cierta ingenuidad de tono blanco en el uso de la comicidad del rosarino que bien lo hizo ser el colaborador de Les Luthiers, otros cultores del humor sano. Todo esto queda empequeñecido en el espectáculo, donde se repite muy seguido el latiguillo "¡qué lo parió!" para asociarse con la chabacanería y adoptar el fácil aplauso del público, acostumbrado a una forma de humor menor o menos sutil.

La falta del Mendieta es otra carencia importante. Es como la voz de la conciencia que necesitaba don Inodoro para poner las cosas en orden (o ponerlas francamente patas para arriba). En otra versión porteña que se hizo aparecía el perro en escena, lógicamente, interpretado por un actor. La pantalla trasera donde aparecerán los distintos personajes es un recurso  para contar con grandes intérpretes, juntándolos a todos en una función, cosa que de otra manera no hubiera sido posible hacerse, pero distrae, poniendo al público en la expectación por "quién aparecerá" y desviándolo del monólogo a escenografía despojada, de Chernicoff. Como se habrán dado cuenta, no es mi actor favorito, pero más por lo vulgar que por otra cosa.

Bueno, el que desee ver la obra se encontrará al menos con la chispa y el genio de Fontanarrosa en su creación más rutilante, lo cual no es poco. Puede disfrutarlo, de todas maneras.

Y no se olviden que los que entren al blog, pulsando "Ver obra" pueden acceder a la obra completa.

Y gracias por leerme nuevamente hasta acá.

El Conde de Teberito (un crítico independiente).

Mi crítica de "Los Monstruos" (Teatro musical)

El miércoles 30 de noviembre me llegué hasta el teatro  El Picadero para ver la última función de esta obra, gran cosechadora de premios (7 Hugos, incluyendo el de Oro, 4 Ace 2016, 4 Florencio Sánchez 2016, Premio Argentores 2016, Trinidad Guevara 2016), pero a no desesperar, vuelve ahora en enero del 2017.

"A menudo las madres se nos parecen, y así nos dan la primera insatisfacción", dice la hija de madre judía Gabriela Acher, recreando, con ironía, los versos del Nano Serrat. Y no es lo que pasa exactamente en esta obra escrita y dirigida por Emiliano Dionisi y música y letras de Martín Rodríguez. Y actuada maravillosamente bien por dos "monstruos": Natalia Cociuffo y Mariano Chiesa. Y digo que no es lo que sucede en la obra porque acá los hijos parecen haber superado a los padres. Ellos son Patricio y Dolores (o Lola) hijos a su vez de Claudio y de Sandra, dos padres que no se conocen al principio y que el azar los presentará debido a ciertos desórdenes de sus hijos de 11 y 9 años respectivamente, en el colegio que comparten. Y una fiesta de cumpleaños en un pelotero infantil. Él, sin esposa, ella, con un marido ausente. Acá queda claro: los monstruos son los padres. Pero también pueden engendrar pequeños monstruitos. Nos preguntamos, qué es lo que puede hacer un chico de 11 años que ponga tan nervioso a su padre para que este lo golpee hasta casi matarlo. Y qué lo que hace que una nena calladita de 9 años impulse a tirar a su padre por la escalera, produciéndole múltiples fracturas. ¿Será que los hijos se nos parecen, como canta Serrat?

Patricio es el mejor. Es un genio para su edad. El n° 1. Imbatible. Entonces hay que atiborrarlo de actividades post escuela y exigirle que rinda como lo que es. Sin permitirle vivir su infancia. Y que aprenda a pegar. Que sepa defenderse en la vida ya que "papá no va a estar siempre para protegerte" le canta Claudio a un Patricio hiperactivo y gordito. Dolores en cambio, es la mejor en su curso por ser la más estudiosa y "calladita". Pero qué rencores esconderá tras ese mutismo casi autista. Como por ejemplo cuando le retuerce los testículos con violencia a Patricio, algo que su madre disculpa como "auténtica defensa".

Y ya que los padres exigen, sus criaturas no se quedan atrás. Todo lo que "Pato" pide es una lista infinita de juguetes bélicos, porque el padre le ha enseñado a "ser bien machito". Lo que pide Lola es que la dejen treparse a un árbol, negociando su bajada por una mini, un gatito, televisor en su cuarto, desayuno en la cama... y hacerse pis desde lo alto, no sabemos si de miedo o de alegría al ver a su madre desgañitarse para que baje porque "todo el mundo te está mirando, es una vergüenza, ¿por qué le hacés esto a mamá?". Para terminar, después de amenazas y súplicas varias con un "¡bajá, hija de puta!" a pleno grito en la calle (¿que va a pensar la gente como uno?).

Todo esto muy bien cantado por la Cociuffo en un admirable "¿Por qué a mamá?". Las canciones no son más que ocho, pero están cantadas con tantas ganas, esfuerzo y simpatía por la Cociuffo y Chiesa que bastan y sobran. Es un "musical de cámara", compuesto por teclado y guitarra electroacústica, batería, guitarra y bajo, pero que suenan como una orquesta completa. ¿Qué podemos decir de los dos intérpretes en cuanto a canto que ya no se haya dicho? Si los dos tienen voces maravillosas, una entonación perfecta, ricos matices, un hablar/y cantar rapidito y aligerado, son buenos actores y despliegan una energía constante. Y hasta asumen el rol de sus hijos en actuación y canto. Sólo se le puede criticar a Mariano Chiesa un cierto gusto por la brusquedad, por el grito interpretativo que ya era marca registrada de su psiquiatra en "Casi Normales".

Pero volvamos a lo monstruoso, ¿qué hay en esa sobreexigencia de los padres porque sus hijos sean los número uno? Tal vez, como lo explican bien aquí traumas de sus propias infancias, cosas no alcanzadas, el querer que sus hijos sean todo lo que ellos no pudieron ser. Y los hijos responden, claro, con su rebeldía pre-adolescente a ese trato/destrato ("¡Callate, pendejo de mierda!"). Los mensajes esquizofrenizantes son constantes ("sos el mejor"/ "no valés nada") y son capaces de transformar no sólo en monstruos violentos a los padres sino también en monstruos agonizantes a los hijos.

Lacán decía que era necesario "matar al padre". Pero lo decía en el sentido metafórico de superarlo. Aquí parece que eso fuese real, que si estos chicos no matan a sus padres van a terminar fagocitados por ellos, tal como hacía Cronos con sus hijos. Y es lo que lleva a Patricio al borde de la muerte y a Lola a intentarlo con su padre.

La escenografía se resuelve con dos sillas y una biblioteca con pequeñas cosas, se vuelca muy minimalista. Todo es veloz en escena, las transiciones, los diálogos y los monólogos, creando una catarata de palabras que nos hace imposible no odiar a tan "amorosos" padres. Tan es así que, al final del sostenido aplauso, Mariano Chiesa debe destacar que "nosotros no somos así". Y les agradecemos por habernos hecho reflexionar, con humor e ironía sobre nuestro rol como padres e hijos (lo dice alguien que fue "niño brillante" en su infancia, "superior a los demás" y por ello muy sobreexigido). Altamente recomendable para estas vacaciones.

Y gracias por leerme nuevamente hasta aquí.

El Conde de Teberito (un crítico independiente).

Mi crítica de "Yo Amo a Shirley Valentine" (Teatro)

Por fin, después de muchos traspiés con mi computadora, estreno nueva, y vuelvo a las críticas, algunas que tenía atrasadas...

El 20 de noviembre fui a ver la obra de Willy Russell en su última función al teatro de la Comedia. Ya vamos terminando el año teatral, me falta la última función de "Los Monstruos" el miércoles 30. La obra es un unipersonal romántico con mucho material para reflexionar.

Me pasa con Betiana Blum algo particular. La siento muy aniñada, muy meliflua para expresarse en su vida personal, algo así como que estuviera haciéndose la tarada. Pero eso no pasa con sus trabajos, que los siento fuertes y bien plantados. Algo por el estilo me pasa con Soledad Silveyra. La siento paparula para manifestarse en la vida, pero en sus trabajos... también. Desde "Rolando Rivas" a los 18 años que viene riéndose con esa risa aniñada. Y ya está bastante grandecita.

Pero vayamos a la obra que nos convoca. Shirley Valentine es un ama de casa como tantas otras. Gris. Mandoneada por un marido indiferente o tiránico que, en un momento de su vida decide revolear la chancleta y empezar a hacerse preguntas. Y termina por descubrir a la verdadera Shirley Valentine. Todo empieza con un accidente fortuito. Los vecinos se han ido de vacaciones y le piden que alimente a su perrito, que es vegetariano, como ellos. A ella le da tanta lástima que le ofrece el churrasco que traía para Joe, su marido. Y así es como Joe se ve compelido a cenar esa noche papas fritas con huevos fritos y estalla en un ataque de ira, tirando la comida e insultando a Shirley. Por suerte que Shirley tiene a su amiga y confidente: Pared. Sí, la pared de la cocina es la única que oye sus quejas y reflexiones. Tiene dos hijos que ya no viven con ella. Melandra, una chica que vive la revolución sexual porque ha descubierto el clítoris, algo que para ella estaba vedado, y Brian, un poeta callejero de protesta que vive en un departamento usurpado. Poco y nada es lo que se ocupan de ella y su frustración como madre, esposa y mujer. Y una amiga que decide que ha llegado el momento de que Shirley se tome unas vacaciones, regalandole un pasaje por 15 días con destino en Grecia...

¿Qué hubiese sido de la vida de Shirley sin ese regalo? ¿O si no lo hubiese aceptado? ¿O si no se hubiera decidido a ir? Lo más seguro es que hubiera terminado con una vida más opaca todavía, siendo una vieja resignada a servir y morir junto a su amo.

Pero no. Shirley toma valor, manda todo al diablo y se va con su amiga 15 días a Grecia. Y es allí donde empieza a disfrutar, a ver que la vida estaba en otro lado, a sentir que no son ciertos los versos de Serrat, esos de que "llegamos siempre tarde donde nunca pasa nada". Y se empieza a descubrir a sí misma, a darse cuenta de sus potencialidades, que no está sólo hecha para hacer las compras y la comida. Y que puede ser amada por un hombre viril y buen mozo -Costa, un griego que le aclara para llevarla a pasear en barco que no quiere "cajar" con ella- y que éste puede enseñarle muchas cosas más que dónde está el clítoris. Es a partir de sentirse amada que la "Valiente Shirley" -tal el juego de palabras en inglés- puede amarse a sí misma. Y que luego no va a depender de que nadie la ame para seguir amándose. Conclusión, que decide quedarse en Grecia, trabajando en el bar de Costa y "sirviendo" a los demás. Sirviendo en la doble acepción, no sólo atendiendo mesas, sino también siendo útil para otros, algo que su Joe nunca había sabido apreciar. Y sirviéndose también a ella misma, porque logra algo que se parece a la sabiduría, a estar conforme consigo misma. Y se anima porque se pregunta, si ella no volviera a casa ¿alguien la extrañaría?

Es por eso que el texto se arrima a esa cosa que llamamos sabiduría, porque nos habla con un lenguaje simple de cosas simples, pero nos interroga a la vez sobre nosotros mismos. Y lo hace con un léxico pulido, casi enamorado de sí mismo y de su protagonista. En un tono que es para una sola cuerda -ya que es unipersonal- pero no para una sola tonalidad. Los matices son muchos y Betiana alcanza a desplegarlos todos, con su sabiduría también de persona simple, de ciudadana de a pie, que los lleva de su mano para hacerlos estallar en fuegos de artificio en el escenario. La obra está plagada de buen humor y depara momentos chispeantes, ya sea por las ocurrencias de Shirley o por las cosas que se/le suceden. El texto ha encontrado en Betiana Blum su voz y cuerpo justos para darle vida a este personaje. (Antes lo había jugado Alicia Bruzzo, en una interpretación que no ví y también habría sabido estar grandiosa en su papel, y en cine lo hizo Pauline Collins, otra actriz enorme, poco conocida, que supo darle la carnadura justa).

La escenografía es mínima, ayudada por dos pantallas posteriores que se convierten, ora en elementos de cocina, ora en las aguas azules y movedizas del Mediterráneo. La dirección de Valeria Ambrosio, acá alejada de los musicales, sabe imprimir el tiempo necesario para que esa hora y media se disfrute al máximo y pase volando y que el monólogo de Shirley/Betiana no canse nunca y nos quedemos con ganas de saber cómo siguió su vida.

Lástima que hizo una corta temporada de dos meses y que no pueda recomendarla porque ya bajó de cartel. Pero es el teatro que me gusta ver y que siempre estoy apto para aceptar nuevas propuestas.

Y gracias por leerme nuevamente hasta acá.

El Conde de Teberito (un crítico independiente).

Mi unipersonal "Lo mejor (peor) de mí"

Hola amigos teatreros:

hoy vengo a promocionarles mi unipersonal "Lo mejor (peor) de mí" que realizo celebrando mis 30 años con el teatro (en realidad ya van 33). Lo voy a hacer este sábado 19 a las 19.30 hs. (se ruega puntualidad) en Maipú 699 2° Piso (es Maipú y Viamonte). Allí repaso mis grandes momentos de mi carrera de unipersonales y hay algunos estrenos también. Me gustaría mucho contar con vuestra presencia ya que es un trabajo muy exigente (son 2 hs de espectáculo) y de mucho compromiso artístico. La entrada tiene un costo de 100 $ ("que no hay que confundir valor y precio", decía Serrat).

El programa es el siguiente:

1-España, en paz (José María Vilches-Antonio Machado, de "Soy un Ser Humano")
2-Tú (Jacinto Benavente, de "Soy un ser humano")
3-No te salves (Mario Benedetti, de "Benedetti, ¡Te amamos!")
4-Historia del que padecía los dos males (Alejandro Dolina, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
5-Hay un niño en cada hombre (Alberto Cortéz, de "Soy un Ser Humano")
6-Cartas de Color (Les Luthiers, de "Soy un Ser Humano")
7-Historia del que no podía olvidar (Alejandro Dolina, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
8-La misma pócima (Mario Benedetti, de "Benedetti, ¡Te amamos!")
9-El vino (Alberto Cortéz, de "Soy un Ser Humano")
10-El Cuervo (Edgar Allan Poe, de "Soy un Ser Humano")
11-Señales (Mario Benedetti, de "Benedetti, ¡Te amamos!")
12-Autoayuda (Leo Maslíah, de "Y... de algo hay que reírse")
13-Grito hacia Roma (Federico García Lorca, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
14-El amor desolado (José Fernando Dicenta, de "Soy un Ser Humano")
15-Poema Misceláneo (Leo Maslíah, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
16-Despabílate amor (Mario Benedetti, de "Benedetti, ¡Te Amamos!")
17-La calle del bien y del mal (Alejandro Dolina ("Aquellas Pequeñas Cosas")
18-Todavía (Mario Benedetti, de "Benedetti, ¡Te amamos!")
19-Horóscopos (Leo Maslíah, de "Y... de algo hay que reírse")
20-Desencuentro en Lacarra y Rivadavia (Alejandro Dolina, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
21-Qué suerte he tenido de nacer (Alberto Cortéz, de "Soy un Ser Humano")
22-Niñoquepiensa (Mario Benedetti, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
23-No morir (Mario Benedetti, de "Benedetti, ¡Te amamos!")
24-La cogida y la muerte (Federico García Lorca, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
25-La sangre derramada (Federico García Lorca, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
26-Padre (Joan Manuel Serrat, de "Aquellas Pequeñas Cosas")
27-Soy un Ser Humano (Alberto Cortéz, de "Soy un Ser Humano")
28-Monólogo de "Solos en la Madrugada" (José María González Sinde-José Luis Garci, Estreno)

La idea, la selección musical, sonido, puesta en escena y dirección general son mías.
Bueno, los espero a todos... ¡no dejen de faltar!

Itebere Pablo Althabe (el Conde de Teberito)

Mi crítica de "Falladas" (Teatro)

Después de casi dos semanas sin computadora gracias a mi servicio de cable y Fibertel me retrotraigo al viernes pasado en que fui a ver "Falladas" escrita y dirigida por el prolífico José María Muscari.

La célula subversiva que habitaba el "Libro de Manuel", de Cortázar, tenía como propósito una acción que llamaban "La Joda", y acá, "la joda" empieza mucho antes de la función: un público efusivo poblado de mujeres que celebran a cada amiga que entra a la sala con aplausos y vítores y festeja la más leve ocurrencia a grandes carcajadas me hacían temer lo peor, un público obsecuente con predisposición a la risa fácil y al aplauso inmediato. Y no me equivoqué, cada grosería era festejada con entusiasmo.

Pero vamos por partes, como decía Jack el Destripador. La obra, en términos generales, me gustó, pero con objeciones. No es una obra para exquisitos del lenguaje desde el vamos, está llena de vulgaridades y golpes bajos en el léxico. No es necesaria tal catarata de palabrotas y obscenidades gratuitas siendo que los mejores chistes son los que no las tienen ("¡por Dios, por Dalma y Yanina!"; "ayer fui feliz porque compré una oferta de dos jabones para lavar la ropa al precio de uno, ¿ustedes no son felices cuando compran una oferta? Que me regalen algo ya me hace feliz" -decía Úrsula (Cecilia Dopazo), pero la chanza continuaba- "¿para qué querés jabón en polvo si no tenés lavarropas?", "para mi baño de espuma. Lleno la bañadera con jabón en polvo, me meto adentro y soplo las burbujas"). Lo que pasa es que después del éxito descomunal de "Brujas" toda reunión de mujeres tiene que tener referencias explícitas al sexo y estar llena de malas palabras. La diferencia es que en "Brujas", detrás de cada vulgaridad había una idea, una cuota de ingenio (producto más que nada del adaptador y director Luis Agustoni). Acá no hay rasgos de sagacidad en el anverso de la grosería. Se dice y punto.

Además no me gustó la inclusión del público en la obra: "¿le pedimos que lo diga?", exclama una de ellas... "¡siiiiiiiiiiii!" contestan todas las féminas al unísono, o se las invita a corear una canción de Sergio Dennis. Cuando se rompe la cuarta pared ya es muy difícil que volvamos a creer que ellas cinco no están solas. Otra es la utilización de material de la realidad inmediata: "¡qué grande Pampita que puede tener un macho distinto cada semana! ¡La admiro a Pampita!" o "¿qué hago, embalsamo al gato como la Cardone?" Ni la inclusión innecesaria de canciones de los '90 para detener la acción y que alguna de ellas la "cante" sin ninguna necesidad dramática.

Vamos ahora a lo que me gustó. Brillantes las cinco actuaciones, desinhibidas y verborrágicas las cinco, por orden alfabético: Cecilia Dopazo (Úrsula), Martina Gusmán (Brenda), Laura Novoa (Diana), Patricia Palmer (la Lic. Perla) y Andrea Politti (Águeda). Las chicas son amigas de antaño, cuarentonas las cuatro, pero que se mantienen muy bien, y se reúnen cada jueves a hablar de las cosas que les interesan, a saber: sexo y consumo. Están todas desesperadas por conseguir un "macho" y además viven pendientes de sus celulares, del shopping, de la cuatro por cuatro y de la riqueza del tipo en cuestión. Sus horizontes son muy pobres. ¿Girarán en torno a esto todas las reuniones de mujeres?

Pero este jueves hay una diferencia. Entre Diana y Águeda se han complotado para traer a una psicóloga que las ayuda a disipar sus tensiones (que las hay, y son muchas). La psicóloga es la Licenciada Perla (Patricia Palmer), una psicóloga sui géneris, más parecida a la jerarca de un campo de concentración que a la armonía y la comprensión que debe tener una terapeuta ("vos cállate, enfermita", "¡sit down!"). Perla aclara desde el principio que va a reivindicar el sentido de la mala palabra (esto está muy bien), que se comunica más con el inconsciente y que dice lo que en verdad se tiene ganas de decir: "de ahora en más 'hacer el amor' no se llama más así, sino 'garchar a lo loco", define de un plumazo... y ni falta que le hace a las chicas.

Los caracteres están bien definidos, pasando por la culta liberal, adinerada y boca sucia Diana hasta la ingenua y enamoradiza Brenda, hay toda una serie de matices.

La catarsis que les propone la Lic lleva a buen puerto porque hace que todas escupan sus miserias y sus bajezas (sí, de eso se trata la obra) de la forma más sincera posible y se sacan chispas sobre el escenario. Así Úrsula declara que después de tener a sus hijos se dedicó a ser MADRE y quedó borrada como mujer sexuada, Águeda puede pelearse con su amante porque  cuida más a su auto que a ella y "porque la tiene muy chiquita", Diana no está dispuesta a soportar a nadie que acabe antes que ella y no le proporcione un buen orgasmo y Brenda dice que se siente frustrada cuando no le contestan enseguida sus mensajes en el celular. Y Perla revela al final que es bipolar (algo de lo que ya nos habíamos dado cuenta antes por su brusca atención hacia sus "enfermitas" y su aire de superioridad -"cállate vos, indígena, que acá la que sabe soy yo"-).

Hay risas en la obra y son casi todo el tiempo, como dije antes, algunas más efectivas que otras, sobre todo las que no remiten a la vulgaridad, algo que no tolero en el teatro ni en la vida cotidiana. Las cinco se lucen y lo hacen con buenas herramientas actorales, lo que me hizo aplaudirlas de pie, dejando de lado todo lo que no me había gustado. El resultado queda a la vista del lector, habrá quien se decante por este espectáculo y quien no. Al final, terminan bailando el famoso tema de ABBA "Waterloo", tan de moda en los años 80.

Y gracias por leerme nuevamente hasta acá.

El Conde de Teberito (un crítico independiente).